Cada vez soy más aficionado al electropop, el año pasado grupos como Metronomy, al que no le había hecho mucho caso, se convirtió en uno de los grupos que más escuché. Lo mismo me ha pasado con We Have Band; no le hice mucho caso a su debut, pero ahora, con su recién estrenado Ternion, los veo con otros ojos e incluso me he enganchado a WHB. El segundo LP de la banda me suena más elaborado, un pelín más oscuro y como suele suceder con todos los segundos discos, más elaborado. La verdad es que Ternion en conjunto suena muy bien, destacar a Where are your people, que es una auténtica delicia, como hit, pero todo el disco merece la pena. Los que disfruten del electropop juguetón están de enhorabuena.

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Imperial Teen es una banda formada en San Francisco en 1996. Desde 2007 no publicaban nuevo material, pero en este 2012 han vuelto a la carga con Feel The Sound, un más que interesante disco de pop donde las voces de sus componentes juegan durante todas las canciones en divertidos coros. Un sonido muy nórdico a lo Lacrosse o Acid House Kings, merecen la pena para pasar un buen rato.

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Un grupo que no podía faltar en los clásicos es The Smiths, la banda creada en 1982 por Johny Marr y Steven Patrick Morrisey, quien se llevó toda la fama. Diferente, solitario, aspero, polémico, criticado por sus letras, mucho se ha hablado de Morrisey, un tipo que, controversias aparte,  junto a Marr consiguió despuntar en los 80 con su estilo personal.

Su debut, el LP que nos ocupa hoy, fue lanzado en 1984 y llegó al número 2 de las listas británicas y rápidamente se convirtió en un éxito alabado por crítica y público. Para mí, junto a The queen is dead, es su mejor álbum (aunque para gustos los colores); Morrisey y Marr están completamente inspirados en cada canción y muestran fielmente el estilo del grupo que les llevó a la fama y al trono de aquella década. Es difícil quedarse con sólo una canción; mi favorita: This charming man, pero el disco entero es bestial, con momentos espectaculares como los que regala Reel around the fountain, o la movidita You’ve got everything now o las infinitas hand of glove y What difference does it make?.

No exentos de polémica por el contenido de sus letras, hay que reconocer que The Smiths pusieron banda sonora a toda una década y su legado e influencia llega hasta nuestros días.

Django Django es una banda de Reino Unido formada en 2009 y liderada por David Maclean. Hace unos días sacaron a la venta su debut homónimo y están dando mucho de qué hablar por toda la red. Sólo hace falta ver la portada y el nombre del grupo para darnos cuenta de que tras ellos no va a haber algo normal, cosa que se confirma nada más escuchar Introduction. Django Django suena diferente, peculiar, extraño, psicodélico; canciones envueltas en una atmósfera de sonidos eclécticos. Influencias sonoras que nos llevan del oeste al este, reconociéndose sonidos cercanos a culturas africanas y orientales.

Para algunos revelación, para otros algo cercano a una estafa, la verdad es que Django Django han sido capaces de dar a luz un LP que se aleja de la media, regalándonos un disco atrevido, descarado plagado de canciones muy interesantes (Default, waveforms, Silver Rays…) que postulan a este grupo de nombre tan peculiar como banda a tener en cuenta en este 2012.

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Cuando el nombre de Mark Lanegan aparece el éxito está asegurado; músico incansable y prolífico, Mark es un valor seguro para triunfar. Ahora acaba de sacar disco con su proyecto Mark Lanegan Band y el resultado es este Blues funeral, un trabajo precioso, marca de la casa de Lanegan, donde su voz, grave y penetrante, es el eje a través del cual pivotan todas sus composiciones. 12 canciones de rock lento, perfectamente trabajado y elaborado con armoniosos arreglos que confieren a Blues funeral una clase y un estilo dignos de admirar. En cuanto a temas destacados: The gravedigger’s song, pista que abre el disco, Riot In my house, quiver syndrome, demostraciones de calidad y Ode to sad disco, una inmersión de blues funeral en sonidos ligeramente electrónicos y bailongos más que aceptable, un temazo.

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A ver si retomo algunos lanzamientos que me he dejado esta semana por falta de tiempo. Uno de los nombres que más ilusión me hacía escuchar entre los lanzamientos de enero era el de Sharon Van Etten, que presentaba Tramp, su tercer disco de estudio. En él, la cantante de New Jersey continúa avanzando hacia la madurez sin perder el sonido dulce, muy de esos tantos que aparecieron tras la irrupción de la gran Regina Spektor  en la pasada década (a la que siguieron otros como Russian Red en España, o más recientemente Ana Calvi y una lista interminable) aunque Sharon de prioridad a las guitarras, lejanas, como un eco, acompañamiento perfecto para un disco bastante nostálgico, melancólico, con buenos momentos, como Serpents, tema del disco, o mi favorita: All I can, que se carga poco a poco hasta que finalmente te das cuenta que estás casi levantado de la silla.

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Hay discos que sólo necesitas escuchar un par de segundos para saber que van a ser legendarios y el debut de Oasis es un ejemplo de ello, clásicos por excelencia y banda clave para entender el britpop. Sólo necesitas unos segundos de Rock ‘N’ Roll Star para darte cuenta de que ahí hay algo grande: la voz de Liam, peculiar, única, diferente y el sonido: intenso, muy distorsionado, renovado y aunando innovación con reminiscencias del rock más clásico.

Peleas, conflictos, egos disparados a parte, y musicalmente hablando, son una de las mejores bandas de la historia y eso no se lo puede quitar nadie. Supieron colocarse como líderes de la década de los noventa superando a otras leyendas como Blur, y gran parte de culpa la tiene un debut mastodóntico como Definitely Maybe, un disco total que aporta temas que ya han pasado a la historia de la música como Slide Away, Cigarettes & Alcohol, o la ya citada Rock n’ roll star. Pero lo bueno de este disco es que actúa en conjunto, todas las canciones son igualmente importantes e indispensables para comprender a una banda que lejos de ser un ejemplo de comportamiento, es todo una muestra de calidad musical.

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Espectacular directo (aunque le falla la voz un poco a Liam) en un concierto en Buenos Aires en el 2009

La banda de Alaina Moore y Patrick Riley va a disco por año. En el 2011 debutó con Cape Dory y justamente un año después vuelven con Young and old, donde vuelven a hacer del invierno su verano particular, y es que es imposible no acordarse del sol, la playa y las tardes de estío al escuchar sus temas.

Como en la mayoría de los grupos, en este segundo disco, aunque sigue las mismas líneas de pop sesentero juguetón, se ha evolucionado hacia un sonido más organizado, elaborado y maduro, donde cada guitarra, teclado y coro se encaja con especial precisión para crear pequeñas joyitas. Tennis no descubrirá el nuevo mundo pero para los nostálgicos es una delicia disfrutar de su sonido clásico, simple y directo.

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Seamos sinceros: no tenía ni idea de quién era Howler. Anteayer un amigo me grabó un disco y entre las canciones estaba Back Of Your Neck, hit de la citada banda y me dijo que eran buenos y seguramente este año estarían arriba. Puse el CD en el coche y las canciones fueron pasando hasta la número 13, cinco segundos me sobraron para saber (sin mirar el tracklist) que ellos eran Howler; sonaban diferente al resto de las canciones y sonaba bien.

Informándome por la red en seguida vi que no era percepción mía y que estos jóvenes americanos están dando de qué hablar y sorprendiendo a todo el mundo llegándose a comparar sus inicios a los de los Strokes (lo leí en una crítica del disco en “tentaciones” del país que Indiecaciones (elmejorblogdelmundomundial) parafraseó con su habitual calidad).

No sé si  serán los nuevos Strokes, (de todos los aspirante son los que más cercan están en mi hulide opinión), si serán esos salvadores de las guitarras de los que hablaba el otro día con Tribes, pero la verdad es que tienen un sonido que engancha: nostalgia pura y dura, sonido de otros tiempos, bandas sonoras de la niñez, de esos veranos en la playa con pala y cubo, y también  del furor juvenil, el disco que sonaría en todas las volkswagen llenas de surfistas mientras recorren las playas al sol en busca de las olas. Una oda a la música sin tiempo concreto ni pretensiones, a la música que sólo pretende para el reloj y hacerte disfrutar de algo llamado vida.

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Ala, ya está por Internet el ansiado disco de Lana del Rey. Posiblemente uno de los discos más esperados del año por el morbo, por haber sido un hype de diccionario, por curiosidad, por lo que sea. Born to die era la prueba de L. Grant para demostrar si sólo se queda en hype pasajero o hay que tenerla en cuenta, y tras escucharlo la sensación que se me queda es rara: el disco es bueno, reúne las características que la llevaron a la fama, ese aire de chica mala, su forma de cantar, la mezcla de estilos que pasan del soul al (casi) rap, las bases, muy buenas también, quizás demasiado prefabricadas y similares, aunque todas ellas se muestran contundentes y adictivas. Pero algo me dice que no podré escuchar este disco entero muchas veces (me ha costado horrores terminarlo para hacer esta revisión). A los que les gustó el adelanto del disco (blue Jeans, born ro die etc…) estarán de enhorabuena, y los que querían variedad, me temo que no es el disco para ello. Especial atención a temas como Anthem (que ya lo conocíamos) y dark paradise, que con un toque épico se convierten en lo más apetecible del segundo disco de Lana del Rey.

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